Música en la época de los 50's

MÚSICAS EN LA ÉPOCA DE LOS 50's
En esta época (los 50's) predominaba el género blues, gospel, el jazz, el rock n' roll.
BLUES
El blues se caracteriza por tener una estructura armónica básica que sirve de articulación. Aunque hay variaciones por contracción (ocho compases) o expansión (dieciséis o veintidós compases), el modelo más utilizado es el blues de doce compases. Se trata de un esquema sencillo organizado en base a tres grados de la escala: I – IV – V. Tomando como ejemplo la escala de Do, el cuarto y el quinto grado de la escala serían Fa y Sol [Escala de Do (C): DO RE MI FA SOL LA SI (DO)]. El primer grado es la tónica (aquí tendríamos un “blues en Do”) y se prolonga durante los cuatro primeros compases. En el quinto y el sexto compás se produce un cambio al IV (Fa en este caso), se vuelve al I para finalmente realizar un paso al V (Sol), después al IV (Fa), una vuelta al I (Do) y un cierre en el V (G). Se trata de una estructura cíclica que puede alargarse sin límite y cuyo lenguaje se basa más en la simplicidad y la comunicación que en el virtuosismo o exhibición. A menudo, los acordes utilizados son de séptima(es decir, están formados por cuatro notas; la nota fundamental, la tercera, la quinta y la séptima menor) y contribuyen a dar tensión a la música. Además, el tratamiento rítmico contribuye a generar una sensación de movimiento.
ROCK N'ROLL
Estrofa: La secuencia de acordes base en la estrofa debiera ser sencilla, ya que ha de escucharse con claridad lo que se canta por encima. En cuanto a la letra, la estrofa es el lugar ideal de la canción para desarrollar el tema principal. La estrofa es la base de la canción. Puente: Antes de decir nada sobre el puente, hay que tener en cuenta dos hechos sobre el mismo: es una de las partes que se van a repetir a lo largo de la canción, con lo que conviene hacerlo más corto y pegadizo que la estrofa, pero menos que el estribillo, ya que el otro hecho es que siempre va a ir justo antes de él. La secuencia de acordes para el puente debe variar con respecto a la estrofa, y lo ideal es que “encajen” entre la secuencia base de la estrofa y la del estribillo, es decir, que no haya cambios bruscos de tonalidad. En cuanto a la letra, viene a ser lo mismo que en cuanto a la música. Debe enlazar el tema de la estrofa con el tema del estribillo, para que la canción “fluya”. Los puentes son prescindibles, pero aportan una gran cohesión a la canción y hacen las veces de segundos estribillos, preparando el “golpe” o “subidón” del estribillo. Estribillo: Es una de las partes más importantes de la canción, ya que es la parte de la canción que más rápido se memoriza y recuerda. Ha de hacerse fácil de recordar, por lo que debe ser corto, sencillo y contundente, y ha de comprimir en 2 versos (o 4 a lo sumo) la idea general de la canción. Es una parte que se va a repetir a lo largo de la canción, así que conviene poner especial atención a cada palabra y a cada nota que se coloque en esta parte, ya que definirán en buena parte el éxito o fracaso de la canción. Una melodía sencilla sobre una buena secuencia de acordes.

JAZZ
La mayoría de los temas de jazz desde la era del bebop en adelante están basados estructuralmente en la forma de alegro de sonata de la teoría clásica: una introducción opcional, la exposición del tema (que a veces se repite), una sección de desarrollo y el final, seguido opcionalmente por una coda. En la terminología del jazz, tales secciones reciben comúnmente los siguientes nombres:
Intro, que es donde se fija el carácter de la pieza. Tiene carácter opcional.
Tema (head en inglés), que es donde se ejecuta la melodía.Vueltas, ruedas o sección de solos (solo section en inglés), que es donde los músicos ejecutan, por turno, sus solos.Vuelta a tema (head out en inglés), donde se vuelve a ejecutar la melodía.
Coda, que da por concluida la interpretación de los músicos y, con ello, la pieza. Como la intro, tiene también carácter opcional.Aunque no todos los temas de jazz se ajustan a esta forma, la inmensa mayoría de ellos sí lo hacen. Durante la sección de solos, la sección rítmica (comúnmente formada por piano, contrabajo y batería) continúa tocando los acordes de la progresión armónica del tema para que los solistas improvisen por turnos sobre ella. Cada vez que se llega al último de los acordes se vuelve de nuevo al primero, para iniciar una nueva “rueda” de acordes (chorus, en inglés) que será aprovechada por el mismo solista para ampliar su solo, o por otro distinto para tomar su turno.
Dentro de este esquema básico, las dos estructuras más comunes entre los standards de jazz son el blues y el esquema AABA. La mayoría de los temas de blues son variaciones del esquema básico de blues de doce
GOSPEL
La música góspel nace de la tradición de «espirituales negros», una música inspirada en el sufrimiento de generaciones de esclavos africanos que fueron arrancados de su tierra y deportados a los actuales Estados Unidos, bien por los ingleses, o bien por los estadounidenses blancos tras la independencia y creación de los Estados Unidos. La música se remonta a 1619, fecha en que el primero africano llega a la colonia de Virginia (Estados Unidos), todavía una colonia inglesa. La primera noticia de un esclavo que se bautiza como cristiano viene del año 1641 en Massachusetts (Estados Unidos), todavía una colonia inglesa. Muchos de los negreros ingleses, predicaban la fe cristiana protestante, en sus cientos de modalidades, solo para mantener sumisos a sus cautivos («los mansos heredarán la tierra»). Los intereses comerciales, un clima político favorable al lucrativo tráfico de seres humanos, y la religión dan la mano para impedir la rebelión de los oprimidos.
Sin embargo, la historia sugiere que una interpretación exclusivamente política no basta para explicar la conversión masiva de los africanos al evangelio de Jesucristo.Estos inmigrantes forzosos traen consigo un estilo musical propio. Una vida comunitaria basada en la música y el baile, siempre dirigido por una percusión insistente, se incorpora al rito de la recién descubierta fe cristiana. El canto se acentúa con la animada participación de los oyentes (exhortaciones, palmas, baile improvisado). Poco a poco la música eclesiástica blanca, europea, estéril —a oídos de estos nuevos conversos— se transforma, y nacen los llamados «espirituales negros».Como señala Eileen Southern, catedrática de Música y Estudios Afroamericanos de la Universidad de Harvard (EE. UU.), la melodía de los espirituales suele ser modal o pentatónica, con una constante improvisación melódica y textual. Hay frases musicales que se repiten con variaciones, dirigiendo el cantante principal y haciendo eco el coro, creando un patrón de llamadas y respuestas, siempre marcado con un pulso implacable.

Grandes músicos de los 50' s y inicios de los 60's

Hola bloggers hoy vamos a hablar de unos grandes cantantes en los 50's y inicios 60's ,que usaron grandes género que la que junto a géneros como el soul o el góspel surge un estilo musical rompedor fusión del blues y el country, el rock, que marcará un antes y un después. Desde el rock negro hasta el popularizado rock and roll. Vamos ha hablar de algunos héroes de la música de esta época.
ELVIS
Elvis también conocido con el rey del rock.En los 50's ya era una estrella internacional y comenzaba a atraer admiradores incluso donde su música no se lanzaba de forma oficial. Entre filmaciones de películas y sesiones de grabación, el cantante halló también tiempo para adquirir una mansión de 18 habitaciones a trece kilómetros al sur de Memphis para él y sus padres: Graceland. Loving You, la banda sonora de su segunda película lanzada en julio fue el tercer álbum número uno seguido del cantante. La canción homónima al título fue compuesta por Leiber y Stoller, a quienes se contrató para componer las seis canciones grabadas en las sesiones para Jailhouse Rock, el siguiente filme de Presley. El equipo de compositores produjó las pistas y creó fuertes lazos de trabajo con el cantante, de tal modo que, incluso los llamaba «su hechizo de buena suerte>>.​ El tema homónimo también fue un éxito número uno, como así el Jailhouse Rock.

ARETHA FRANKLIN
Hija del cantante de gospel, quien además era uno de los más reconocidos curas baptistas, el Reverendo Clarence LaVaughn Franklin, y de y la cantante de gospel Barbara Franklin, estuvo muy influenciada por este tipo de música casi desde su nacimiento.Fichó por Colombia en 1961 y la discográfica orientó su carrera hacia el jazz, aunque no estaba destinada a seguir ese camino, sino a marcar una época con un estilo propio basado en su extraordinaria voz, crecida en los campos del blues y el gospel. Apodada "Lady Soul", en 1960 tuvo lugar su primera grabación discográfica con la Motown Record Company, compañía con la que pronto triunfó.

CHUCK BERRY
Berry tuvo interés por la música desde muy temprana edad. A los 10 años ya participa en una orquesta local de blues, como guitarrista y cantante. Dió su primera actuación en público en la Sumner High School. De 1944 a 1947, fue internado en un reformatorio por robo a mano armada. Robó tres tiendas en Kansas City y un coche a punta de pistola con algunos amigos. En el reformatorio formó un cuarteto y practicó boxeo.De vuelta a St. Louis, trabajó en una cadena de montaje de la General Motors y estudió cosmética y peluquería en la School of Beauty Culture de St. Louis por las noches, montando después su propio negocio, también fue portero en el edificio de apartamentos donde él y su esposa vivieron. Se casó con Themetta "Toddy" Suggs el 28 de octubre de 1948, que dio a luz a Darlin Ingrid Berry el 3 de octubre de 1950. En los años 50, estaba casado, tienía dos hijos, y no dejó la música.Declarado el compositor más influyente del primer rock and roll y guitarrista con estilo copiado por infinidad de colegas de varias generaciones, "Arquitecto", —según el mismo— del rock and roll, compuso e interpretó clásicos del rock como 'Roll Over Beethoven', 'Rock'n Roll Music' y 'Johnny B. Goode'. Sus solos de guitarra, mezclados con la energía de sus bailes, estremecían al público. El 'duck walk' en el que se agachaba mientras andaba y tocaba la guitarra, se convirtió en legendario. Entre su discografía destaca Chuck Berry's Greatest Hits (1964), Golden Decade (1967) y Chuck Berry at the Fillmore Auditorium (1967). Fue galardonado con varios premios, entre ellos un Grammy (1984), por su vida dedicada a la música. En agosto de 2014, a los 88 años, fue galardonado con el Polar Prize, un premio sueco que recompensa las contribuciones excepcionales a la historia de la música, si bien por razones de salud Chuck Berry no viajó a Estocolmo para recogerlo. Chuck Berry falleció el sábado 18 de marzo de 2017 a los 90 años de edad, en St. Charles, estado de Misuri.

FRANK SINATRA
Grabó su primer disco en 1939. En los cuarenta fue el ídolo de las jóvenes que soñaban con sus románticas canciones y su voz melódica. Su primera película fue Ship Ahoy en 1942, pero no es hasta Higher and Higher cuando empieza a cosechar algún éxito, comienza a introducir canciones como You belong in a love song, The music stopped y I saw you first entre otras, su compañera en ese film fue Michele Morgan. Actuó en películas musicales como Levando anclas (1945, George Sidney) y Un día en Nueva York (1949, Stanley Donen). En 1953 ganó un Oscar por su actuación (no cantada) en "de aquí a la eternidad" (1953, Fred Zinnemann). Con fama de vividor, se casó el 4 de febrero de 1939 con Nancy Barbato, su primera mujer de la que se divorció en 1951 y con la que tuvo sus tres hijos Naci, Tina y Frank Jr. Conoció a Ava Gardner, que lo encontró arrogante, engreído y prepotente. Se enamoraron, aunque su romance permaneció en secreto debido a la denominada Claúsula Moral que Ava tenía firmada con la Metro. Pero el idilio acabó por hacerse público y Nancy anunció su separación el día de San Valentín de 1950. Ava fue tachada de 'rompehogares' y viajó a España para rodar Pandora y el holandés errante. Frank se apresuró en llegar a España bajo los rumores de un romance entre Ava y Mario Cabré, torero y pareja suya en la película.